El Sonido Infinito De Esquivel

Desde hace más de cincuenta años se escucha la música del desaparecido Juan Garcia Esquivel, ya sea en sus discos, como en los arreglos y musicalizaciones para Tv y Cine.
Juan Garcia Esquivel nació en México en 1918. Fue un pianista,  arreglista y director de orquesta comenzando naturalmente su carrera en su tierra natal. Dicen que a los Quince años ya dirigía una orquesta compuesta de veintidós músicos.
Años más tarde, comenzó su trabajo en los Estados Unidos para el sello Universal y musicalizando programas televisivos(entre los principales) como: Los Picapiedra, Alfred Hitchcock, El Hombre Increíble, etc. Es decir que de hecho todos lo hemos escuchado hasta sin pro ponérnoslo.
A pesar de los magníficos trabajos tanto en música comercial como soundtracks para tv y cine, ha estado cinco veces nominado a los premios Grammy, en ninguna de esas oportunidades lo ganó ( no lo necesitaba tampoco, creo).

Portada del Infinity InSound

Yo conocí la música de Esquivel hace como ocho años, cuando conseguí un disco recopilatorio, publicado en 1961, titulado Infinity In Sound Volumen 2, que formaba parte de una serie de Lp's del músico mexicano y me sorprendió esos sonidos impecables de los metales, trompetas, combinando con efectos que seguro para aquella época era medio osado que una orquesta haga estos experimentos.
Dentro de este disco los temas que para mi gusto son los más destacables del álbum son: Jealousy- un arreglo que hace Esquivel de esta famosa obertura, Time On My Hands,  tema que popularizara Billie Holiday.
Otra de mis favoritas en ese Lp es la interpretación de Sentimental Journey, pero bueno, sólo les escribo de algunas de este disco porque las composiciones, albumes, interpretaciones y arreglos de Juan Garcia Esquivel son abundantes.
Esperando que este post y algunos otros que he escrito durante todo este año hayan sido de su agrado., les deseo un Feliz año nuevo 2014, gracias por tomarse el tiempo de leer cada una de estas publicaciones.
Nos estamos leyendo el próximo año y recuerden por favor. Si toman... Tomen Taxi.
Feliz Año!!

Juan Garcia Esquivel y sus músicos

Diego Calado

Down To The Moon y Andreas Vollenweider

Hace poco más de un mes llegó a mis manos el cd Down To The Moon, de Andreas Vollenweider, para esto, ya previamente lo había escuchado en internet y la mayoria de tracks me gustaron bastante, entonces decidí encargarlo ya que aquí en Lima hasta donde he visto, no está en tiendas (A lo mejor en algún momento lo habrán tenido en stock) y yo soy de esos que cuando les gusta varias canciones de un cd o disco lo quiere tener físicamente, no me basta con bajármelo o escucharlo en Youtube... en fin, cuestión de gustos.
Bien. Llendo al disco y al artista en mención: Andreas Vollenweider es un músico nacido en Suiza, en la ciudad de Zurich. Su música se encuentra entre el New Age y el Pop y la mayoría de sus discos son instrumentales. Destacando como instrumento principal el Arpa, el cual es su especialidad ademas de contar con el acompañamiento de un grupo de músicos para enriquer los temas y formar asi una orquestación.
Andreas Vollenweider inicio su carrera musical a finales de la década del setenta y a partir de ahí grabó una serie de albumes y singles, entre los más destacados: White Winds, Book Of Roses, Dancing With the Lion,  Down To The Moon( el álbum del cual les escribo en esta ocasión), entre otros.
Down to the Moon es el quinto disco grabado por Andreas Vollenweider ,del año 1986 (re editado en 2005) y que recibió al año siguiente
un premio Grammy.
Entre mis tracks favoritos del cd están: Down To The Moon, Moon Dance, Steam Forest, Night Fire Moon, Quiet Observer, Silver Wheel, Drown in Pale Lihgt y La Lune Et L' enfant  (La Luna y el Niño).
Este trabajo de Vollenweider aparte de gustarme, suelo escucharlo generalmente para ratos de sosiego y creo que es perfecto para un largo camino si estas llendo de viaje, mientras ves un simpático paisaje. Lo recomiendo.
Recuerdo vagamente que algunos tracks de este disco los usaba un canal de cable local que ya no existe.
El cd, actualmente no lo encuentras en tiendas, pero sí está completo en Youtube o lo puedes encargar también.

Caratula del disco 

Diego Calado

Un Repaso A Los One Hit Wonders

Va acabando Octubre y revisando anteriores post del blog hasta llegar al primero, caigo en cuenta que la semana pasada Mimúsicayalgomás.blogspot tiene ya dos años desde que escribí la primera entrada la cual fue sobre "Eve" de The Alan Parsons Project un 22 de Octubre de 2011.
Para no hacerla larga. Antes de entrar al post de hoy, les agradezco a todos quienes se toman la molestia de leer estas ya treintidos (quizá pocas para dos años) entradas que la verdad no imagine hace dos años, que llegara a escribir y continuar con el blog después de tanto tiempo. Gracias nuevamente a todos y espero seguir mejorando en ésto.
Ahora sí al tema. En el mundo de la música se conoce como One Hit Wonder a aquellos cantantes, grupos, bandas, etc que sonaron con una sola ( a lo mucho dos) canción o single que pudo haber pegado muchísimo y luego se supo poco o nada de ellos puesto que pudieron haber grabado más canciones, pero no tuvieron la misma suerte o acogida que la primera.
Como la lista es bien extensa y tampoco recuerdo todos, repasaremos algunos famosos One hit woders por lo menos del Rock y del Pop:

Portada del disco Born to be Alive

Patrick Hernandez: Cantante francés, de padre español (de ahí el Hernandez) que grabo en 1979, todo un LP titulado "Born To be Alive" el mismo nombre del único éxito que lo catapultara a la fama y que está dentro del mismo disco.
Quienes se compraron el Long Play se habrán ensartado, salvo que personalmente les haya gustado otras canciones del LP, ademas de Born to be Alive cuya duración original es de más de siete minutos.
Una desconocida Madonna en aquel entonces bailaba en sus shows y alguna vez leí que Patrick tuvo un romance con la que unos años después fuera la reina del Pop.


Schocking Blue: Una banda holandesa fundada en 1967, grabo algunos temas sin mayor brillo hasta que el éxito llegaría en 1969 con Venus, el cual los llevaría al # 1 del Billboard en los Estados Unidos con la voz de su vocalista Mariska Veres. Luego grabaron otros sencillos sin mayor trascendencia aunque aquí en Perú, algunos apostaron por poner al aire Demon Lover y sí que acertaron ya que en nuestro país, fue un gran éxito. Finalmente el grupo se disolvió a mediados de la década del setenta.

Schocking Blue

Exile: Un sexteto formado en 1973 originalmente con el nombre de The Exile, luego lo acortan a Exile. Tuvieron fama cinco años después de formarse, en 1978 con la balada Kiss You All Over la cual alcanzó el puesto numero nueve en el Billboard de ese año.
Luego se dedicaron a la música country, teniendo más éxito con este género en su país.

The Knack. My Sharona es una canción que la hemos escuchado hasta el cansancio. Pertenece a esta agrupación fundada en 1978 y que un año después sorprendieran con este hit, despertando muchos comentarios sobre la critica algunos positivos como una banda que prometía bastante y otros comentarios negativos según algunos, por sus letras misóginas. Terminado el boom de My Sharona la formación no tuvo más canciones que destacaron y después de disputas y riñas entre sus integrantes la banda se separó.



The Archies: Un grupo integrado por personajes ficticios (los que hacian la música detrás eran reales, obvio) sacados de una serie de la época "Archie y sus amigos". Su One hit Wonder fue Sugar, sugar una pegajosa y melodiosa canción que en 1969 se posicionó como numero Uno en los rankings Estadounidenses. Este formato de banda ficticia fue el precedente para que décadas más tarde hiciera lo mismo Gorillaz y otras.

Fool's Garden: Recuerdan Lemon Tree? Esta banda Alemana formada en 1991 vio el éxito recién a mediados de los 90's (1995) con el single Lemon Tree, de su disco Dish Of the day.
Después de esta canción que suena hasta hoy la banda se ha dedicado a hacer covers de grupos famosos como los Beatles. Ellos siguen tocando hasta ahora.

Integrantes de Fool's Garden

Baltimora: No hay radio temática de los 80's que no haya tocado este single hasta hace poco.
Baltimora fue un grupo de synth pop de origen Italiano (no lo sabía, hasta hace poco. Pensaba que era Jimmy Mcshane) cuya figura principal era Jimmy Mcshane nacido en Irlanda. Digo figura porque quien dicen que hacia los coros y la voz para luego hacer el Lipp sinc ( la sincronización de los labios con la letra) con Jimmy Mcshane, era el integrante de la banda Maurizzio Bassi.
También tuvieron otro tema que sonó al menos por acá: Woody Boggie.

Bien, como dije al comienzo la lista de los One Hit Wonders es bastante larga y tendría que escribir varias paginas para acordarme o poner a todos.
Ésta ha sido solo una muestra de algunos grupos y cantantes que a lo largo de la historia de la música tuvieron su "cuarto de hora" y luego se hicieron humo.


Diego Calado 

Money For Nothing. Una Canción Históricamente Quemada

Portada del disco

Los primeros álbumes que recuerdo vi en mi casa desde que tengo uso de razón eran tres Cassettes: El soundtrack de Miami Vice, una cinta de Van Halen( no recuerdo el título) y el álbum del que les voy a escribir hoy. "Brothers in Arms" de Dire Straits.

En ese entonces tendría Cinco o Seis años y no me interesaba escuchar música en aquel entonces, me era indiferente, pero tengo la imagen clara de las cintas que arriba menciono y es que también me acuerdo que las canciones que traían en ellas sonaban bastante en aquella época y hasta hoy no dejan de tocarlas en las radios hasta el hartazgo.

Creo que para mí la canción más tocada y más quemada de ese género, que viene en todos los cd's piratas, esos que dicen "Rock Pop 80's", es "Money for Nothing", tema que está en el disco Brothers In Arms de la banda inglesa liderada por Mark Knopfler. No digo que el disco ni la canción sean malos. Inclusive, esta placa cuenta con la colaboración de músicos como Sting y ademas hay otros temas muy buenos en ese trabajo que también sonaron como: Walk Of Life, So Far Away, Your Latest Trick y la homónima al álbum, Brothers in Arms. Sin embargo creo que ninguna llega a hacer tan característica de Dire Straits y de esa década como Money for Nothing que es la que menos me gusta o a lo mejor su constante rotación hasta el día de hoy, ha hecho que se haya deslucido.

Brothers In Arms, es el quinto álbum de la carrera de Dire Straits, se publicó en vinilo, en cassette y fue una de las primeras publicaciones de material fonográfico en formato Compact Disc. Debido a esta novedad tecnológica fue el primer cd que logró el millon de copias vendidas.

Se puede decir que Brothers In Arms es un disco histórico en lo que a avances se refiere aparte de que varias de sus canciones fueron éxitos, muy ajeno a que te harten con Money for Nothing  hasta ahora. 

Diego Calado

  

Wakeman Y Las Seis Esposas de Enrique VIII

Generalmente catalogan a Rick Wakeman dentro del género del rock progresivo, pero si reparamos un rato y damos una chequeada cuidadosa a todos sus trabajos tanto en bandas  o colaborando con otros artistas y su carrera en solitario dudaríamos (al menos yo) en calificarlo como un pianista solamente de rock progresivo, rama rockera que tuvo su mayor exposición desde finales de la década del sesenta y durante todo el decenio siguiente.

Rick Wakeman ha trabajado con músicos, bandas y artistas de estilos muy dispares. Ademas de integrar Yes durante un tiempo, colaboró con David Bowie ( Space Oddity y Hunky Dory)  para luego dar un giro de 180 grados y llegar al soft rock de Cat Stevens o Al Stewart y otros trabajos.

Uno de sus trabajos en solitario, el más destacado y del que les voy a escribir en este post es nada menos que "The Six Wives of Henry VIII". Su primer disco de estudio.

Al comenzar  les contaba del eclecticismo de Wakeman en cuanto a estilos con los teclados y creo que en Las Seis esposas de Enrique Octavo, queda una vez más demostrado. Este álbum fue pensado por Wakeman desde un año antes de publicarse en 1972. Fue grabado entre febrero y Octubre en Londres, mezclado por distintos ingenieros en dos estudios algunas pistas en Morgan Studios otras en los estudios Trident. El álbum vio la luz en 1973. Demoró algo en publicarse, pues Wakeman estaba en giras con Yes. En este trabajo intervienen tanto músicos de "Yes" como de "Strawbs".

Rick, en el álbum, fusiona el rock con un toque sinfónico. Piezas clásicas y después pasajes de Jazz o jazz rock como en Catherine Howard  para mí, el mejor track del disco junto con Anne Boleyn "The Day Thou Gavest Lord Hath Ended". En la cual se luce combinando sonidos con los varios tipos de teclados que suele tocar.

Este es uno de los trabajos más sólidos de la carrera de Rick Wakeman para muchos de sus seguidores.

Para mí es el mejor de lo que he escuchado con respecto a su música.

En una intervención Wakeman explicó el título del disco diciendo lo siguiente: "Este álbum está basado en mi interpretación de las características musicales de las esposas de Enrique VIII. Aunque el sonido puede que no coincida con sus historias individuales, es mi concepción personal de los personajes a través de los instrumentos de teclado" 

No se si Rick Wakeman sea el mejor tecladista de todos los tiempos, pero definitivamente su carrera hasta el día de hoy es prolija.

Rick Wakeman en los teclados

Diego Calado

Un Soundtrack infaltable

Portada del disco doble

Cuando uno escucha algunas bandas sonoras de películas te encuentras con música y canciones que no habías escuchado antes. Varias recontra rebuscadas o novedades hechas exclusivamente para el film.

El Soundtrack de Django Unchained, la última película de Tarantino., no es la excepción. Un disco que vale la pena escucharlo y tenerlo, ya que en éste se lucen una vez más grandes músicos como el argentino, nacionalizado italiano Luis Bacalov, gran director de orquesta y compositor con el tema principal de la película con esa pulcra, cristalina intro de guitarra o La Corsa, otro track del álbum que la utilizan en una parte de la película en la que se encuentran en la plantación de Big Daddy ( los que han visto la película se ubican).  

Ennio Morricone, es otro de los genios que aporta lo suyo en el disco con The Braying Mule. Con esa combinación de guitarras e instrumentos propios de todo un director de orquesta ademas de la experiencia previa de haber hecho música para películas de este género como es el Western. 

Otros temas que destacan de Morricone son Sister Sara Theme, que la usan si mal no recuerdo cuando a Broomhilda la alistan para conocer a Mr. Shultz, luego le sigue Ancora Qui que para mí, es una excelente canción en italiano escrita por Morricone e interpretada por una cantante de nombre Elisa.

Asimismo, esta banda sonora de Django Unchained cuenta con la participación de Jerry Goldsmith, a cargo del instrumental Nicaragua. En este track colabora nada mas y nada menos que Pat Metheny.

I Got a Name es otro tema que me gusta de este LP. Canción setentera interpretada por Jim Croce, una mezcla de Country con Folk.... para mí, tiene un aire a Bread (  grupo de esa misma época),  Freedom un tema Soul que me gustó bastante y "100 Black Coffins" al momento del tiroteo en Candie land una de las escenas,sino la más sangrienta de la pela. Bueno, lo tanático como que no es novedad en los films de Tarantino. 

El disco incluye fragmentos de los diálogos también. 

Una particularidad que tiene Quentin Tarantino en sus Películas es que participa de manera muy meticulosa al momento de elaborar el soundtrack, no por gusto es el productor musical de este álbum pues se encargó como en otros de sus films, de seleccionar cada tema incluso en el Insert de este LP, en una nota tarantino dice que utilizó en algunos tracks temas de su propia colección de vinilos, ya que quería que el oyente experimente el sonido con los Pops y Cracks propios de los discos que escuchó por años. Todo un personaje y un genio del cine.

El Soundtrack de "Django Unchained" aún no está en las tiendas y no me quedó otra opción que encargarlo. Me llegó hace un par de días, en formato Long Play , edición europea con un sonido espectacular.

Si el film es un peliculón... pues el soundtrack no tiene nada que envidiarle.

LP listo para ser escuchado

Diego Calado

Fausto Papetti y su famoso Saxo Alto

Durante las décadas del sesenta y setenta hubo un auge de interpretes, instrumentistas, orquestas con estilo Pop catalogadas por algunos como Easy Listening (fácil de escuchar). Es larga la lista de orquestas o interpretes de música instrumental contemporánea de aquella época. Por mencionar algunos están: James Last, Ray Connif, Paul Mauriat, Percy Faith, Henry Mancini, Herb Alpert, Fausto Papetti, etc. Este último sera el protagonista de este nuevo Post.  Asi es, nada menos que Fausto Papetti.

Quienes pasan la base Cinco o Seis de hecho lo deben haber escuchado o les debe gustar su música y también excepciones como yo, con varios años menos que disfrutamos de sus interpretaciones.

Fausto Papetti, saxofonista (saxofón Alto, Saxofon tenor y clarinete) nacido en Viggiú- Italia, sobresalió con sus arreglos e interpretaciones de temas populares del momento sobretodo durante los 60's. Inclusive sus discos más emblemáticos y con los cuales se hizo popular tanto en Europa como en latinoamerica pertenecen a ese decenio.

Primer Long Play 

Fauto Papetti inicia su carrera a mediados de los cincuenta luego de tocar en algunos grupos de Jazz y acompañar a varios cantantes, hasta que en 1959 se le da la oportunidad de grabar su primer Long Play para el sello Durium, gracias a un arreglo que hizo del tema "Estate Violenta", de la película Franco- italiana del mismo nombre, que le gusto mucho a los productores de la disquera y así, al año siguiente, salió al mercado "Fausto Papetti Sax Alto E Ritmi".

Si bien Estate Violenta fue el tema principal de este álbum también sobresalieron en este trabajo versiones de temas populares como: Sleep Walk (primer track del long play), "Till",  "La Dolce Vita", "Morgen", "Sacandalo Al Sole" ,composición de Max Steiner que aquí en américa,  la conocemos como "Theme from Summer place" o Verano de amor cuya versión más popular es la de Percy Faith... y otras melodías más. 

Siguiendo con el éxito de este primer disco, en 1961 Fausto Papetti publica su segundo álbum con mayor éxito aun. "Fausto Papetti Sax Alto E Ritmi Ballabilli N. 2". Para mí este álbum es el más popular del saxofonista italiano con versiones de temas populares de la época, ya sean de películas o canciones de festivales como el de San Remo.

Segundo álbum de Fausto Papetti

Entre las interpretaciones que destacan en este disco están:  "Vento Caldo", "Quando Dormirai", "Legata a un Granello di Sabbia" ( ligada a un granito de arena), "La ragazza con la valija", Qualcuno mi Aspetta ( Where the boys are), Wonderland by Night, etc.

Recuerdo que cuando hace unos años traje este disco a la casa mi mamá se emocionó, diciéndome que ella lo tenía y que la música de Fausto Papetti le recordaba cuando ella trabajaba en una aerolinea (que ya no existe hace  décadas). Tenia turno partido, entonces aprovechaba a mediodía y se iba a la herradura y en los parlantes o radios que tendrían por ahí, tocaban este disco de Papetti, que en aquel entonces estaba de moda... en fin.

Luego en 1962 graba el "3a Raccolta" con temas de Gilbert Becaud, Aznavour y una que otra composición propia.

Otro trabajo que destaca durante la carrera de Fausto Papetti es uno dedicado a temas latinos titulado "Motivi Dell' Amercia Latina" en el cual Fausto Papetti interpreta con su saxo canciones populares como Brazil, Siboney, Besame Mucho, tres palabras, Adios, entre otros.

Álbum de temas latinos

Los músicos instrumentales y orquestas durante los 60's y 70's se caracterizaban en su mayoría a interpretar hits del momento. Era muy raro que algún tema cantado, no tuviera su versión instrumental y Fausto Papetti definitivamente no dejaba pasar la oportunidad de darle su estilo.

Luego en los siguientes años Papetti siguió grabando más discos, pero me quedo con los de sus primeros diez años. 

Finalmente, Papetti falleció el 15 de junio de 1999 a los 76 años.

En mi modesta opinión, creo que Fausto Papetti es uno de los mejores Saxofonistas que he escuchado.

Diego Calado

  

Meddle: Pink Floyd experimentando

Portada del disco

Retomando el Blog ya que han sido semanas algo movidas debido a inesperados cambios de horario, pero ahí  me voy organizando.

En esta entrega les hablaré del sexto disco de Pink Floyd me refiero a Meddle. Grabado entre Enero y Agosto de 1971, en una época en que  la banda no tenia clara la idea o no estaba inspirada en que más hacer para su siguiente trabajo. Sin embargo, finalmente el disco salió a la venta en Noviembre de ese mismo año.

Digamos que el no tener un horizonte claro, sirvió para que el grupo en Meddle ,experimentase con la participación (a diferencia de sus trabajos anteriores) de todos los miembros del grupo, es decir: Gimour, Mason y Wright ,ademas de Waters.

Si bien en el Reino Unido fue un éxito comercial y con críticas favorables, además de reafirmar a David Gilmour como un prolijo guitarrista por parte de la prensa local., en los Estados Unidos fue un disco que pasó casi desapercibido.

El disco empieza con One Of These Days, un excelente tema instrumental para dar inicio al álbum. Con esa forma de empezar a manera de "loop" con la guitarra de Gilmour.

A Pillow Of Winds es el track 2. Un rock lento tipo balada con un ligero aire a Wish You Were Here, que un par de años después grabaran en el Dark Side of the Moon, para seguir luego con Fearless. Para mí, la mejor del disco.

La cuarta canción del disco titulada San Tropez, es una fusión de Pop, con un toque de Jazz compuesta por Roger Waters. La canción fue inspirada en un viaje del grupo al sur de Francia el año anterior, en 1970.

En la pista siguiente está Seamus. Una composición algo relajada, con sonidos de aullido de perro al final y se trataba del perro de Steve Marriot,que en ese momento estaba al cuidado de David Gimour. Este track, para muchos, es una de las peores canciones de Pink Floyd. Para mi ese tema pasa desapercibido. No se si sea el peor de la banda.

Y la última pista es Echoes con 23 minutos de duración, grabada en tres estudios diferentes.

Última foto de los integrantes incluída en un insert de los discos de Pink Floyd , hasta muchos años después

Diego Calado

Un disco que nos deja... Sin Palabras

Si les menciono a Los Iracundos, pensaran muchos que este post contará de sus baladas (Puerto Mont, Va Cayendo una Lágrima, Rio Verde, Reten La Noche, Venite Volando, etc) pues no en esta ocasión. Ellos, Los Iracundos de Uruguay, agrupación formada en Paisandú a fines de los 50's sacaron entre sus primeros discos el álbum titulado  Sin Palabras, grabado en 1965 y efectivamente el contenido de este trabajo hace honor a su nombre, debido a que es un disco netamente instrumental.

Sin Palabras, es el segundo disco de Los Iracundos, que contiene arreglos de temas populares muy buenos comenzando por "El Hombre del Brazo de Oro". Tema de la película protagonizada por Frank Sinatra  y que en Sin Palabras, el sexteto liderado por Eduardo Franco, hace una versión excepcional.

Ademas de El Hombre del brazo de Oro, en este disco de Los Iracundos podemos escuchar versiones muy propias de canciones populares como por Ejemplo: Blue Moon, con la guitarra de Leonardo Franco y Juan Bosco, integrantes de la banda o San Louis Blues. 

Otro arreglo de este disco en versión Beat, ritmo que estaba muy de moda por los sesentas y que en gran parte del álbum se deja oír es Moonlight Srenade. Tema casi característico de Glenn Miller. 

Por otro lado, en este trabajo Los Iracundos se siguen luciendo con una versión del popular temas Brasil o también una simpática versión de Caravana.

El eclecticismo musical de este disco al incluir canciones de distintas partes del mundo y de diferentes géneros lo hace muy particular. Si escuchamos el track 10., encontramos Granada. Tema de Agustin Lara, en esta oportunidad, con un arreglo de guitarra eléctrica.

Creo que la realización de Sin Palabras se debió a la curiosidad de Los Iracundos por experimentar con algo diferente en esta ocasión grabando un disco enteramente instrumental. También influenciados por la movida de aquella época en que los grupos instrumentales estaban de moda como The Ventures, Al Caiola (el de Bonanza), sin ir muy lejos aquí en el Perú Los Belkings y tomando como referentes a grandes directores de orquesta de aquel entonces como: John Barry o Henry Mancini.

Los Iracundos grabaron "Sin Palabras" entre 1964 y 1965 en Buenos Aires, Argentina (ahí  cerquita nomas, cruzando el rio de la plata). 

Este es un disco que seguramente algunos habían olvidado o no sabían de el y muy pocos lo deben conservar, pero hace unos años la RCA sacó la discografía completa de Los Iracundos, en el que incluía este álbum. Ojalá lo consigan es muy bueno.

Los Iracundos en los estudios RCA, 1965

     Diego Calado

The Soft Parade: Cuarto disco de The Doors

The Doors, es una de las bandas que a pesar de los pocos álbumes que grabó, (en comparación a otros de sus contemporáneos) revolucionó el rock psicodélico de los últimos años de la década del sesenta, entre 1966 y 1970 que fue el apogeo del grupo.
Grabaron solamente Seis discos de estudio, pero como dicen algunos de lo bueno poco.
Sus integrantes: Jim Morrison (Vocalista), Ray Manzarek  (Teclados) Robbie Krieger (Guitarra )y John Densmore, (Bateria).
Muchas anécdotas, incidentes, terminando con la trágica, pero previsible muerte de Jim en 1971, en su departamento en París, debido a sus excesos con el alcohol y las drogas en tiempos en que decidió tomarse un descanso de la banda... acompañaron esta brillante etapa de la carrera del cuarteto estadounidense.
Dentro de los trabajos del grupo, en este post, me voy a referir a uno que si bien no fue el más exitoso de la banda tuvo algunos singles que tuvieron pegada y para mi gusto muy buenos. Me refiero a "The Soft Parade"
Este trabajo salió luego del éxito de su tercer álbum... "Waiting for the sun" ,en 1968 en el que destaco "Hello I love You".
Haciendo un paréntesis:  La letra de Hello I love You ,fue producto de un paseo de Morrison con Manzarek por la playa, cuando se cruzaron con una morena que los atrajo y Morrison se refiere a ella en la canción como "La joya oscura" (Dusky Jewel).Pero bien, ahora si remitiéndonos a "The Soft Parade" éste fue el cuarto disco de The Doors que salió a la venta en Julio de 1969, luego de unas accidentadas sesiones de grabación, producto de la informalidad de Morrison y sus excesos con el alcohol que hacían que las sesiones se prolongaran por semanas. Lo cual, afectaba también los presupuestos.
Algunos dicen que en este disco el estilo de The Doors cambió a canciones más Pop, idea con la que discrepo. Creo que de Pop no tiene nada, mas bien el acompañamiento de diversos instrumentos como el trombón, saxo, trompetas, mandolinas y otros... hacen de este disco mas bien psicodelico, experimental y progresivo.
Dentro de los tracks que sobresalen en este disco estan: "Tell All The People", la primera canción del álbum la cual fue bien recibida por la crítica. Luego viene "Touch Me" reveladora e imaginativa. Para mí, la mejor del disco junto con "Shaman's Blues" y "Tell All the People". También otra que sobresale en este disco de The Doors, es Wild Child, en la que Manzarek y Krieger se lucen tanto en los teclados como en la guitarra respectivamente.
Otra que me gusta y tiene un buen acompañamiento es "Runnin Blue".
A los conocedores de The Doors, espero que este post les haya gustado y a los que no son tanto, pues ojalá que hayan conocido un poco más de la banda y especialmente de este disco.
"The Soft Parade" de The Doors.

Retrato que está en el Insert del álbum

Diego Calado

El sonido de Herb Alpert

La música de Herb Alpert la conocí sin querer, pero desde que la escuché me gustó. La primera vez que me topé con el sonido de este trompetista ( y cantante en algunas ocasiones) estadounidense fue por ahí en 1999, cuando comenzaba a trabajar en una radio y hacia un programa de baladas los fines de semana, tenía 16 años y un día un oyente, un señor ya mayor me trajo una cinta para que escuchara unas baladas que supuestamente estaban en ese cassette. Cuando llegué a mi casa me doy con la sorpresa que era un cassette de un tal Herb Alpert, decia en la etiqueta ( en ese entonces desconocido para mi ) el señor se había equivocado de cinta. No habían las baladas ofrecidas, pero si me quede escuchando esas melodías las que ahora se que fueron de la carrera de Herb Alpert ya como solista, sin sus Tijuana Brass.
Recuerdo que la primera que escuché en ese material fue "Behind the Rain" que me pareció espectacular y "Rise" ambas están en el disco "Rise" (1979), la famosa "Route 101" del disco Fandango (1982), "Beyond" otra muy buena, del disco del mismo nombre o "Kamali" que curiosamente después terminaría usándola como cortina para un programa que tuve unos meses en Radio Miraflores, hace un par de años.
Una vez que ya me enganche con Herb Alpert empezé a bajarme algunas canciones con el desaparecido Napster ¿se acuerdan? Bueno, algunas diferían mucho con las que ya conocía (antes mencionadas) y es que esas que comenzé a bajarme por internet eran de "Herb Alpert & Tijuana Brass". No dejaron de gustarme, al contrario hizo que el gusto por la música de Herb Alpert aumentara.
Herb Alpert & Tijuana Brass fue una famosa banda instrumental que formó el trompetista estadounidense con seis músicos más y con la cual se hizo famoso durante la década del sesenta.
Una de las primeras grabaciones fue "The Lonely Bull" del año 1962 y cuenta el mismo Herb Alpert que este tema nació de una visita que hizo a Mexico, en ese mismo año y durante el intermedio de una corrida de toros a la que asistió tocaban un grupo de trompetistas el tradicional "Gato montes" paso doble que se suele tocar en las corridas ( no me gustan las corridas de toros por si acaso, pero respeto a quienes opinan distinto) y de la introducción de ese tema se inspira para grabar "The Lonely bull", su primer éxito con los Tijuana Brass.

Portada del Whipped Cream (1965)

Del suceso de Lonely Bull seguirían temas como: Mexican Shuffle (1964) Whipped Cream ( 1965) "A Taste Of Honey", tema que popularizaran los Beatles en su primer disco Please, Please Me y  que posteriormente Herb Alpert& Tijuana Brass también harían popular su versión en 1965.

Spanish Flea que se encuentra en el disco Going Places junto con "Tijuana Taxi" también  fueron bastante populares y en ese mismo álbum hacen una versión muy particular de "Zorba the Greek",  recordado tema de la película protagoizada por Anthony Quinn en 1964, pero en esta ocasión con trompetas muy al estilo Tijuana Brass. Luego The Work Song, otro arreglo muy bueno que está en el disco S.R.O de 1966.
"This Guy's in love with you" tuvo gran suceso en 1967 y esta canción tiene la particularidad de que Herb Alpert la canta, está en su disco "The Beat Of the Brass".
Herb Alpert también fue empresario discográfico. Tal es así que todos sus discos los grabó,obvio para su propio sello A&M records, fundado a comienzos de los 60's por Alpert y su socio Jerry Moss. Por este sello pasaron artistas como: Los Carpenters, Sergio Mendes,Joan Baez, Joe Cocker, The Police, Janeth Jackson, Bryan Adams, etc.
Finalmente Herb Alpert y Jerry Moss dejan A&M records en 1993.
Para quienes gustan de la música de Herb Alpert les recomiendo se compren el "Definitive Hits". Un compilatorio publicado a finales del 2001 y que recuerdo se lo encargué a mi hermana que viajaba a Estados Unidos por aquel entonces y lo tuve recién salidito, con éxitos tanto al lado de los Tijuana ,como su carrera en solitario.

Herb Alpert 

Diego Calado

"Goodbye Yellow Brick Road" Hay que escucharlo

Para algunos que quizá no han escuchado mucho de la música de Elton John, a lo mejor lo tienen posicionado en su mente con temas como "Sacrifice" o como parte del soundtrack del Rey Leon. (Can you feel the love tonight)  Pues la carrera de "Sir" Elton ,pianista, cantante y compositor ingles data de mucho antes, desde mediados de la década del sesenta cuando empezó a interesarse por la música Rock. Profesionalemnte empieza a hacerse conocido desde 1970, con el éxito Your song, de su primer disco que escribiera junto a su amigo Bernie Taupin. Your song, fue el comienzo de una seguidilla de éxitos durante los años siguientes, que lo consagrarían como una figura en el mundo del rock y pop británico.
Su álbum más exitoso y al que va dedicado este Post, sale a la venta en Octubre de 1973 y es nada mas y nada menos que "Goodbye Yellow Brick Road"  El cual, según la revista Rollin Stone, ocupa el puesto 91 entre los 500 mejores discos de todos los tiempos.

Elton John pensó en grabar el disco en un estudio en Jamaica ya que sus colegas los Rolling Stones, grabaron poco antes uno de sus trabajos ahí, pero debido a problemas políticos por los que atravesaba la isla, cuna del Reggae., "Sir" Elton desistió y finalmente grabaron en Francia en el estudio Chateau d' Hérouville y digo grabaron  (plural) porque lo acompañaban, para este disco su banda compuesta por: Dee en los bajos y segunda voz, Davey en la guitarra acustica y Nigel en la batería y coros.
Hablando ahora netamente del contenido del "Goodbye Yellow Brick Road" a mi parecer es un álbum completo, en el que encuentras desde una onda progresiva, (acorde con la corriente de aquel entonces) una que otra balada y hasta rock & roll.
El primer track "Funeral for a friend" (Love lies bleeding) con una intro instrumental de unos 5 minutos con una orquestación,  uso del sintetizador y guitarra eléctrica muy buena con un aire a lo que  hace Alan Parsons o Pink Floyd  o Yes, que para quien no conoce o recién la escucha duda que sea Elton John.
Otra pista que destaca y fue muy famosa "Candle in the wind" en su primera versión. La cual Elton se la dedica a Marilyn Monroe, luego en 1997 la volvió a tocar en el funeral de la princesa Diana.
"Bennie and the jets" una de mis favoritas del disco con un toque de soul y el piano de Elton John demás esta destacarlo, creo.
El tema que le da nombre al álbum: "Goodbye Yellow Brick Road", una estupenda balada medio blusera que habla del rompimiento de una relación sentimental.
Dentro de las más destacadas de este trabajo también estan: Dirty Little Girl, Your sister can't Twist. Esta última es un rock& roll total y otra que no se queda atrás y una de las canciones más populares del disco., "Saturdays night's alright for fighting" donde se luce la guitarra eléctrica de Davey.
Definitivamente y con razón este álbum se encuentra dentro de los mejores de la historia de la música. Lógico que hay varios que lo superan. Nunca he sido fanático de Elton John, pero este disco en particular es una genialidad.
Para finalizar. ¿Por qué no habrá tenido acogida su concierto del año pasado aquí en Lima? Yo creo que fue  mala fecha. En Enero y Febrero la gente está gastada por la navidad y ademas venían las matrículas. (para los q tienen hijos)

Elton John recontra joven (es el del cigarro, claro)